高等院校聲樂教學思維模式與轉換論文

摘要：《我是歌手》，現已改名為《歌手》，是湖南衛視推出的大型音樂競技節目，現已做到第五季。每到《我是歌手》（現為《歌手》）的播放季，歌手們的表現都會成為微博和新聞的熱門話題，創下同類節目的播放和網絡點擊記錄，每期節目中歌手的歌曲都會雄踞音樂排行榜。這些數據表明，這樣的唱法已經成為廣大人民群眾所喜愛的演唱形式。而中國的高等聲樂藝術教育仍然停留在三四十年代的"美聲""民族""通俗"三種唱法區分的教育模式下，以這三種唱法模式的聲樂比賽--央視《青年歌手大獎賽》卻一再遇冷，收視率直線下降，現已在央視節目中下架。這說明傳統的民美唱法概念區分和教育下的歌唱方式已不再受到廣大群眾的喜愛，如何改變高等院校聲樂教育模式？必須先從思維模式上轉換，將教學與社會需求接軌，才能讓中國聲樂藝術生命長青。

關鍵詞：《我是歌手》；高等院校；聲樂教育；中國聲樂；歌唱技術

　　《我是歌手》，現已改名為《歌手》，是湖南衛視推出的大型音樂競技節目，加上前身《我是歌手》，現已做到第五季。每到《我是歌手》（現為《歌手》）的播放季，歌手們的表現都會成為微博和新聞的熱門話題，創下同類節目的播放和網絡點擊記錄，每期節目中歌手的歌曲都會雄踞音樂排行榜。這些數據表明，這樣的唱法已經成為廣大人民群眾所喜愛的演唱形式。在節目中，那些音色自然，能自如運用聲音變化，有自己特點、駕馭多種音樂風格的歌手更受到觀眾的歡迎和喜愛。相比之下，原來央視的、以民美唱法為主的《青年歌手大獎賽》卻一再遇冷，收視率直線下降，現已在央視節目中下架。這說明傳統的民美唱法概念區分和教育下的歌唱方式已不再受到廣大群眾的喜愛，雖說不至于到淘汰的地步，但起碼也下降成為了“小眾群”。隨著經濟的高速發展和世界文化的多元化進程，觀眾的品位也變得越來越多元化，所謂“三種唱法”的界限已經越來越模糊，有“美聲唱法民族化，民族唱法通俗化，通俗唱法民美化”的講法出現。例如：金鐘獎上，美聲唱法的選手除了演唱必選的外國作品外，選用的中國作品越來越有民族化的特征；而民族唱法也出現了常思思這樣類型感覺唱法橫跨“民族、美聲”的優秀歌手；通俗唱法歌手的歌曲中也有很多類似《天邊外》《九兒》等歌劇風格和民族風格濃郁的作品。那種以音色區分唱法的觀念已經不適應現代社會的需要，演唱方式、方法的“多元化”方向既是我國民族聲樂發展方向，也是必然趨勢。長期以來，關于聲樂唱法的概括只有“美聲、民族、通俗”三種，但這樣的說法已經遠遠不能概括我國現在的各種演唱形式。2011年金鐵霖教授在第五屆全國民族聲樂論壇上提出了“中國聲樂”的概念，用來概括我國現階段聲樂藝術發展的整體形態和未來發展方向，就是說：不論是民族、美聲、通俗、原生態，還是民美、美民、民通、美通唱法，甚至戲曲、曲藝、音樂劇唱法，只要演唱的是中國作品，受到老百姓喜歡的，都應該稱之為“中國聲樂”，筆者對這個觀點也是深感認同。歌手演唱必須走群眾路線，向老百姓靠攏，讓他們能聽懂，他們才會喜歡，才能是人民的藝術，藝術生命才能夠長青。現在的“中國聲樂教育”主要依賴高等音樂院校教育體系。

　　高等音樂教育體系是從二十年代“學堂樂歌”引進西方音樂教育模式開始的，高等院校“美聲唱法”專業一直沿用這個模式至今，以學習演唱西洋古典歌劇、藝術歌曲為主；1949年后，在周總理的大力倡導下，高等院校的聲樂教育逐漸加入傳統戲曲、曲藝、民歌的元素，結合原來的西方聲樂教學方法和模式，形成了現在的“民族聲樂教育”體系，以學習演唱中國原創藝術歌曲、原生態民歌、戲曲為主；1995年后，隨著西方、港臺流行音樂的引入和盛行，全國各大高等院校先后成立“流行音樂專業”。“三足鼎立”的局面一直維持到現在。進入高等音樂院校學習的學生，一進學校大門就會以三種唱法被分類，“美聲”專業的學生主要學習演唱西洋古典歌劇和藝術歌曲，甚至還有的老師不允許學生演唱中國作品或者是較多地演唱中國作品。“民族”專業的學生學習范圍略為寬泛，除了中國民歌、戲曲、民族歌劇外，還有一些原創的中國藝術歌曲，很多都屬于描紅式教學，特別在民歌和戲曲方面，少有結合時代特色和個人特點進行創新演唱的。當然，這不是說就要摒棄“模仿”式學習，在學習的過程中“模仿”也是很重要的環節，但是“模仿”過后應該鼓勵學生“創新、再創造”。很顯然，我們的高等院校音樂教育這個環節比較薄弱，“通俗”專業這個方面會比“民美”專業的學生要好一些。“通俗”專業的學生學習演唱80年代以來的，主要是現在流行的歐美、港臺流行歌曲和音樂劇選曲。為什么說原來的以音色劃分的“美聲、民族、通俗”三種唱法已經不適應現代社會的發展了呢？我們已經進入電聲音樂的時代，無論在哪里演唱都會有擴音設備，而傳統的“美聲”“民族”演唱方式是以前的演出地點和條件所決定的：西洋歌劇是在歌劇院演出，傳統民歌、戲曲是在山野田間和戲園演出，主要是因為當時都沒有電聲擴音設備，所以有一些聲音或音色觀眾聽不清。但現在，電聲擴音設備的普及，原有概念中有些不能用的聲音或列為禁忌的方法在現代的音樂表達中都可以使用。以前總有人說：通俗唱法就是什么方法都沒有，什么方法都不用，就直接用自己的喉嚨喊。其實不然，現代創作的歌曲作品難度都越來越大，對演唱者聲音、氣息、表演的把控能力也越來越高，一點也不遜色于原有的“民美唱法”的作品。而且，筆者相信在現在大多數作曲者創作時，腦子并沒有所謂的三種唱法之分，有的應該只是音色之分。現代創作的作品中除了會使用到傳統的“民美唱法”中的技巧外，還必須掌握麥克風的使用技巧。畢竟，有了電子擴音設備，以往觀眾聽不見的聲音，也就是傳統美聲唱法中摒棄的聲音，現在通過麥克風都能聽見了，這樣更豐富了我們的音色，增加了表現力。所以，現在的所謂“通俗唱法”一點也不見得比傳統的“民美唱法”更容易，反而是更豐富、更自然了，同時也讓歌手在演唱時感覺更輕松自如了。作為一個音樂人，一個聲樂教育工作者更加應該跟上時代的腳步，適應時代的洪流，改變傳統觀念，大膽創新、改革，在文化大繁榮的發展中讓聲樂教育事業更接地氣，這才是所有音樂教育者需要做的，也是迫切要做的。聲樂教學本身是一個繁復、巨大而又精細、具體的工程，一味遵循守舊，進行描紅式的教學，那樣肯定會被觀眾和社會所淘汰。當然，從另一方面來講，也不能一味只求新求變，完全摒棄傳統聲樂教學方法，那又會有些以偏概全、有失偏頗，所以教學中應該兼顧傳統和現代，兩者兼顧，缺一不可。大家都知道，歌唱應該建立在科學的發聲方法基礎上，我們傳統所講的科學的發聲方法是打開喉嚨、氣息放下、聲音高位置、喉頭穩定。但現代的聲樂作品中要求歌手要有更豐富多彩的音色，那么我們就應該在掌握基本發聲方法的基礎上，在自身探索更多的音色。例如，調整喉頭的位置、共鳴打開的大小、聲音位置的調整、頭腔胸腔聲音單獨運用和結合運用等等會產生什么聲音和音色變化，并且如何將這些聲音和音色合理地運用到作品中。在教學中，老師應該引導學生多探索自己，發現新音色后，多進行鞏固，多在不同音色轉換上進行練習，就像做一件手工藝術品，先準備好各種材質，再將各種材質按照設計大致組合，然后打磨各個材質的連接處，盡量做到無縫連接，這樣才能創造出一個精美的藝術品。拿新一季《歌手》第一期的來做個例子：哈薩克斯坦國寶級歌手迪瑪希在第一期競演時演唱的《一個憂傷者的求救》，這首歌是有號稱“魁北克金嗓子”之稱的歌手BrunoPelletier所演唱，是一首法語歌曲，音域寬達三個八度加一個純四度，其中主歌第一句的音程就已經達到兩個八度，如此劇烈上行的旋律需要演唱者具有極強的發聲位置切換、聲音的控制能力和強大的氣息支撐，所以這首歌號稱“最難唱的歌曲”之一。迪瑪希非常完美地演繹了這首歌，作為一個男高音，也可以說是一位假聲男高音，不僅有漂亮有爆發力的真聲區高音，還有華麗飽滿的假聲高音音色和花腔，并且還可以在持續高音上完成強弱變化甚至是裝飾音，更加難得的是他的低音也非常的扎實豐滿，完全沒有換聲點的痕跡。絕對可以說，迪瑪希是一位不可多得的“全能型”歌手。這里面雖然有天賦的因素存在，但更重要的是他多年堅持不懈的探索和練習才能達到這樣的高度。那么，我們在教學上也應該注意加強對不同音區、音色、強度的探索及使用，這樣能大幅度提高聲音的音樂表現力。人聲就是一種樂器，這個樂器是我們自己的身體，需要用自己的`頭腦去調控，發聲觀不能是一成不變的，教師應該幫助學生去建立這個概念，并且完善它。當然，無論哪種發聲方法都必須在自己身體上使用得比較均衡，找到一個平衡點，這樣演唱起來才會非常的舒服、和諧。方法解決了，那么就需要在怎樣表達作品上下功夫。