參觀畫展可以讓我們在潛移默化中受到各種藝術的熏陶，那么以下是小編為大家整理的關于畫展的觀后感，歡迎大家閱讀！
畫展觀后感（一）
老師有帶我們去看馬克·夏加爾畫展，我很喜歡他，因為他的畫每一幅都是多彩多姿的，我真的非常欣賞他，希望我以后也能像他一樣，成為一位很有創意的藝術家——馬克·夏加爾，這次的展覽我最喜歡“生日快樂——愛與美？他會創做出這樣的畫，是因為他和他的愛人很愛對方，所以在他生日的當天，他畫出了最愛的人。
我覺得馬克·夏加爾的家境從小就不是很好，但是他還是可以成為一位很有名的畫家，只要努力去做一件事，將來一定可以功成名就，所以我現在要好好用功讀書，以后才可以成為讓大家喜歡、崇拜的人，但在這之前，我要先把我的基礎打好再說。
我從馬克·夏加爾的身上學到了很多東西，馬克·夏加爾是一個很有想象力的人，因為他的想象力太豐富，而且他也經歷過很多風風雨雨，所以他才能創做出這么棒的作品，我們也要懂得欣賞每一幅畫的美，因為這是一種禮貌，每一個藝術家都很辛苦，所以我們不能批評別人的作品，這也是我喜歡馬克·夏加爾的地方。
我欣賞完這次的展覽后，我覺得其實馬克·夏加爾跟我們一樣，他沒有很聰明，他只是比我們更加努力，當我們在玩的時候，他在努力，當我們在睡覺的時候，他也在努力，所以他可以成為一個這么有名的人，是眾人所知的，不只是馬克·夏加爾，班上也有很多跟馬克·夏加爾一樣的人，要對自己有信心，才有機會變成大家喜歡的人。
畫展觀后感（二）
作為美術欣賞課活動的一部分，上周四我隨著我們系的師生一同來到江西藝術中心參觀陳丹青畫展。在幾個小時里，每一個同學都認真地欣賞了自己喜歡的畫作，也收獲了許多。
舍斯托夫說：“人就是向現實轉變而尚未完成轉變的可能性”。時間、友誼、藝術，是本次展覽的主題，由三位畫家相識四十年來的故事與作品，作為主線，敘述青年時代的理想，油畫實踐的軌跡，圍繞藝術的友誼。四十年來，三位上海老朋友的故事充滿戲劇性的起伏與變化：林旭東由油畫轉向版畫，繼而轉向電影，又回到油畫；陳丹青的繪畫與書寫生涯，已為公眾熟知；韓辛從上海、美國、北京的藝術游歷，則是一個文革少年成長為自由畫家的典型。在四十年故事中，陳逸飛、劉小東、賈樟柯，是這三位畫家長期友誼的見證人。而三位老友的各自陳述，使我們有機會進入時光隧道，目擊文革時期自學一代如何成才，為今天的藝術教育提供了生動鮮明的對比與反思。
展廳入口的大幅黑白照片，是20xx年三位老友騎著自行車穿越上海的弄堂，笑得非常開心，一如他們的年輕時代。那是動亂的年代，歲月荒荒，他們躲在角落偷聽蘇聯錄制的歐洲古典音樂，自學繪畫，彼此玩笑，八九十年代，三個人各走各的路，到了新世紀，又湊到一起畫畫，聆聽當年的曲目，依然彼此玩笑？？在展廳中，四十年的光陰轉化為物質與文字，在展館的墻上交錯并置，燈光下顯得很靜很亮。
門首兩側的墻上是三位老友的三篇自述，作品由左右兩端展墻掛開，按年代順序，依次分段，向展廳深處延伸：啟始于70年代三個自學少年的自畫像，以及歐洲各名作的臨摹，終結于各自的寫作和創作，每一展室印在墻上的解說文字，關于畫，關于人。陳丹青與韓辛各寫了十余段，林旭東寡言字僅寫了三段。此外，半數以上的`畫配有圖說，韓辛與陳丹青各占一半，這是兩個話多的人，一個愛聽表揚，一個樂于夸獎。
林旭東寫道：一天上街，在淮海路上迎頭就遇見了病后的丹青和他爸爸。以后就開始你來我往地時常見面。有時他會和爸爸或者弟弟一起來。他爸爸和弟弟的形象俊朗，常常成為丹青習作的對象，后來丹青畫的康巴漢子，骨相結構中也有他們的影子？他這幾年的畫中，我比較有感于他的印刷品寫生，形式上是他在美后期圖像并置的延續，但已不只游戲概念，娓娓道來的是他的衷腸，歲月蒼桑，世事難料，畫家能守住的也只有這幾本舊畫冊，在無人喝彩中自有一種從容與淡定，波瀾不驚中題材已被超越：在一筆一劃的把玩中，他營造著安放性命的處所？韓辛畫得很多，水粉畫，畫的多是風景和靜物。
在畫展中找他們的“進步”與“退步”，或者比照誰畫得更好，都是無趣的，都是觀看與認知的障礙，因展覽所能呈示的意涵，是三個獨立的人如何與境遇周旋，如何與自己的愛與才能糾葛，如何在不同的時代“畫什么”，“怎么畫”而他們頑強信守了自己對藝術的熱愛，雖然這份愛遭遇了不斷改頭換面的時代。提醒是必要的，即：此展本身是一件完整的，難以分割的作品，單獨看一件作品，一個人的作品，一個年代的作品，便沒有看見這個展覽。
繪畫，是畫家的終身自我教育，眼界，是基本的條件，而眼界，通常指向別人的作品。其實，自己的作品也在教育自己，并賦予對繪畫的認知，這是一個使作者成為觀眾的畫展。
畫展觀后感（三）
我自幼愛畫，對各畫種均有所了解，特別是對中國山水畫情有獨鐘。前段時間，有緣偶遇一幅作品：悠悠流云，飄逸間含著深沉：巍巍峰巒，蒼茫里藏著秀潤；流泉飛瀑，如聞其聲；村落叢林，掩映成趣。細品之，筆觸老辣，水墨酣暢，氣象恢宏，真是令我心生向往，并牢牢記住了這位叫“來支鋼”的畫家。
得知來先生將在深圳舉辦畫展，我立刻從西安前往深圳美術館觀看《來支鋼水墨藝術大展》。一幅幅水墨山水畫把展廳變成了一個黑白兩色的純凈世界，瞬間讓人體會了莊子所說的“天地有大美而不言”。
仔細欣賞這些作品，或懸崖古松蒼莽，或山村野徑閑適，或古鎮純樸風韻。那群峰競秀之磅礴令人激動，那云疊霧障之悠遠引你遐想，即便是一棵枝丫橫陳的古樹也顯非凡韻致。雖是中國水墨畫，自然景物的立體感、質量感和空間感都處理得很完美，畫家的非凡功力——造型使我嘆服。
走出前廳，轉入中廳，迎面墻上一幅《峽道》、側面一幅《藝道》將我震撼。徜徉在巨型山水長卷前，感受云海翻涌，山水撲面，和鳴聲聲。又有村落梨花，人間生靈。畫家筆下的山水奇觀多么像一首雄渾激越的交響曲，起伏跌宕，讓人沉醉其間。仿佛在旅途中，置身于美麗的大自然，正應了古人評畫的那句“畫中境界可居可游”！我想這應是畫家來支鋼的第二個非凡本領——造境。
有型有境的畫我亦見過不少，但打動人的卻不多，我覺得來支鋼的畫真正動人的地方是“有情”。情是什么？情是大山大水的表情，是畫家筆下的山水之境，仿佛山水也是有喜怒哀樂的。如他的作品《崛起》，那是一種吶喊，一種激情；而《涓涓涌泉》中，則是一種欣慰與歡暢。這種蘊含在水墨間的情感，才是作品真正的靈魂。我覺得這是一個畫家最難達到的高度——造情。
來支鋼作品的最重要的技法是積墨，這是中國傳統技法，上可追溯到北宋郭熙，后有清初的龔賢，繼而黃賓虹發掘了這一技法，李可染又將其推動發展。來支鋼是李可染大師的第二代傳人，既從師長處傳承技法吸取養分，又有個人心得加以創新，其積墨通透靈氣，毫無板結之象，可以說對積墨技法的掌握和運用已達爐火純青的地步。
冰凍三尺，非一日之寒。來支鋼先生12歲開始學習畫畫，日復一日，從師練習。他每一幅作品背后都有著我們無法想象的辛苦，我們所看到的《藝道》耗時八月余才完成，一絲一縷，一點一畫，墨干了又積，幾十遍后才終于成就這雷霆萬鈞之力，排山倒海之勢。細賞作品，可覺其力透紙背，千筆萬筆，筆筆無敷衍懈怠，無絲毫輕浮油滑。想起來支鋼先生在不同場合講過的一句話：“作積墨來不得半點偷懶，人家出游，我在畫畫；人家吃飯，我在畫畫；人家睡覺，我還在畫畫；我就是在夢里，還在想著明天的畫該怎么畫。”天道酬勤，來支鋼終于成就了今天的自己，成為繼承與發揚中國水墨藝術文化的新一代畫家。
人如其畫，畫如其人。我忽然感悟到，他的積墨初看是一種功夫，其實是一種鍥而不舍、追求卓越的精神，也正是這種精神才成就了他。
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