導語：高校聲樂演唱教學必須突出語言的重要性，要使學生不僅能用歌聲表達出作品的感情，更能用語言傳達出作品的思想內涵。所以，我們只有只有對聲樂教學中的語言進行不斷地研究和探討，才能使我國聲樂藝術不斷發展，屹立于世界文化藝術之林。以下是小編為大家整理的“以情帶聲,聲情并茂”在聲樂教學中的運用論文，歡迎大家的借鑒！

　　“以情帶聲,聲情并茂”在聲樂教學中的運用論文1

　　摘 要： 有聲無情是“昧”，有情無聲是“媚”，聲情并茂才是“魅”。演唱沒有感情，不僅不能獲得優美松弛的歌聲，而且也不能產生藝術感染力，很難打動觀眾，演員與觀眾就很難產生共鳴。從某種意義上講，聲為情之本，同時又以情感為內容：情為聲之魄，它既以聲音為依托，又賦予聲音豐富的內涵，給聲音以情感的魅力。不同的聲音表現著不同的情感，而不同的情感又能激發出不同的聲音，兩者相互依存，相互作用，共同構筑成歌唱藝術的殿堂。

關鍵詞：聲音 情感 聲情并茂

　　歌唱不是簡單的用聲樂技巧來演唱歌曲，它是由技術層面和藝術層面兩個方面組成的?！奥晿繁硌荨睆淖置娴囊馑伎梢岳斫鉃椤奥暋本褪锹曇?、“樂”指音樂、“表”是一種外在的表現、“演”泛指演繹。所以，歌唱不僅是通過聲音來表現人類情感的一種方式，也是聲音與情感的一種結合。一首成功的聲樂作品不僅能夠在聽覺上給觀眾以震撼，同時還能抓住觀眾的視覺神經，給予觀眾聽覺和視覺的雙重享受。這就要求歌唱者不僅具備優美的嗓音和嫻熟的聲樂演唱技巧，還要在演唱中恰如其分的加入自己的思想感情，準確的把握作品風格和人物性格，通過自己在情感上的變化，完美的呈現作品所要表達的意境。在我們的日常演唱中，演唱者往往會把過多的注意力放到聲音上，學生最多的疑問就是：“我的聲音傳不傳？”、“我的聲音攏住了沒有？”、“我的腔體打開了嗎？”、“我的高音站住了嗎？”類似這樣的問題。這種只重視聲樂技能的獲得，卻不重視情感表現力的培養，在歌唱上來講都是不完整、不科學的。所以我們在平時的教學過程中，不僅要重視學生聲樂技能的培養，還要把教學重點轉移到聲樂技巧和情感表現的結合上來，潛移默化的培養他們以情帶聲，聲情并茂的演唱習慣。

　　好的聲音是建立在科學的發聲方法的基礎之上，它需要有穩定的氣息，規范清晰的吐字，有良好的共鳴。如果沒有有效的、系統的發聲訓練，是很難出現優美的聲音，也不可能吸引到觀眾的注意力。歌劇之所以能夠流傳幾百年至今而經久不衰，最重要的不僅是演唱者具備高超的演唱技巧，而是要準確的抓住人物的內心變化，詮釋出作品所要傳遞的思想感情。作為一名專業的歌唱演員，如果不具備以上的歌唱條件，怎么還能夠在歌劇中扮演各式各樣的人物，怎么能夠讓臺下觀眾所接受。我們在教學的過程中，重視的往往是基本的發聲技巧的練習，比如氣息的訓練，要找到嘆氣的感覺，橫膈膜、丹田、后腰組成一個三角形的支撐點，氣息外擴，順著嘆氣的力量進行演唱；強調咬字吐字的感覺，要像說一樣的唱，要大聲的朗讀歌詞，做到字正腔圓；還要注重腔體的建立，演唱高音時注意咽壁的力量，注意頭腔共鳴和胸腔共鳴等等。這些聲樂技巧是每個聲樂學習者都必須重視和掌握的，但是在這些聲樂技巧培養的同時，往往很容易忽略了情感的培養。我們進行發聲訓練所采用的方法一般為音階的上行、下行配以元音的組合，或者是琶音配以元音的組合，這種發聲方法難免會讓學生感到枯燥乏味。如何能夠從單調、乏味、無內容的練聲曲中挖掘發聲訓練的.情感因素呢？我們可以讓學生把各個元音放到歌曲當中去，不用唱歌詞，用元音去演唱整首歌曲，練聲曲目的難度由聲樂作品的難度決定，把單調的發聲練習變為有內容有情感的歌聲，通過旋律的流動去換起對作品意境的聯想。有了意境的聯想，自然會有情感，有了情感氣息自然會得到有效的控制。通過“以情帶聲”的演唱方法能夠有效的調整演唱者的呼吸，打開共鳴腔體，從而獲得事半功倍的效果。

　　當學生們拿到一首新的作品的時候，往往第一反應是這首歌的最高音到哪里，如果是最高音在自己的音域范圍內，就以為自己能熟練的駕馭這首歌曲了，這種觀念是錯誤的。想要做到“以情帶聲，聲情并茂”的去演唱，就必須對作品進行研究和處理。首先，當我們拿到一首新的作品時，首先要理解它的歌詞大意。聲樂和器樂最大的不同就是，聲樂除了以音樂的形式來表現外，還通過文字的形式來體現，特別是中國的語言，本身就是一種旋律性的語言，它有一種旋律的美感深藏在里面。所以我們對待一首新作品時，要大聲朗讀歌詞，理解歌詞大意，通過文字所蘊含的細膩情感來襯托旋律的美感。其次，要了解作品風格，準確把握人物性格。當我們欣賞一場音樂會時常常會發現，歌唱者無論是中國藝術歌曲或者地方民歌，還是歐洲古典藝術歌曲或者歌劇選段和詠嘆調，總感覺是一個味道，缺少韻律，很難給觀眾以心靈上的震撼。造成這種現象的原因就是歌者在演唱初期沒有很好的對作品的風格進行細致的處理和分析。演唱中國聲樂作品，首先要了解的是作曲家通過這首作品所要表達的創作意圖，通過這首作品能夠傳遞出怎樣的思想情感，這是抓住這首作品靈魂的關鍵；演唱地方民歌時，我們所要了解的是這個地域或民族的風土人情、文化背景、民族特點、還有生活習性等，通過一首歌曲能夠讓觀眾更加直觀的了解到這個地域的地域特點和民族精神；在演唱歐洲藝術歌曲時，要知道作曲家所處的音樂時代，從而了解這個時代的文化背景和創作風格，以及當時的繪畫、雕塑、建筑等有形的空間藝術，他們的風格往往比音樂更加一目了然。歌劇選段和詠嘆調的演唱首先要了解的是整部歌劇的內容，了解人物性格和創作風格，以及所演唱的選段和詠嘆調在整部歌劇中所處的位置以及前后銜接的故事內容，這樣才能把作曲家的創作意圖和作品的風格特點淋漓盡致的表現出來。

　　以多尼采蒂的歌劇《愛的甘醇》中的男高音詠嘆調《偷撒一滴淚》為例，這是一首極富盛名的詠嘆調，被譽為男高音的“試金石”。它需要穩定的氣息支持，勻稱的聲音和連貫的旋律線條。這首詠嘆調出現在第二幕的第二場。內莫里諾以為是愛情的靈藥幫助他贏得了眾多姑娘的芳心，豈不知是姑娘們聽說他意外獲得了一大筆遺產。此時，阿迪娜并不知道發生在內莫里諾身上的故事，但是姑娘們的追求使她認識到自己也愛著內莫里諾。這時，內莫里諾認為自己窺視到了阿迪娜眼中的淚水，他用這首詠嘆調表示，自己愿意以死為代價，獲得心中的姑娘阿迪娜。這首詠嘆調的出現形式一般是在整部歌劇或者是在音樂會上被歌唱家們拿出來單獨演唱。在歌劇演出時要注意人物在舞臺上的站位和劇情的發展，而在音樂會上演出時演唱者更多注意的是自己的聲音，往往忽略了這首詠嘆調在歌劇中內容前后的銜接以及對劇情的發展、人物的刻畫和情緒的渲染所起到的作用。舞臺表演對演唱者來說起著至關重要的作用，因為好的演唱者不僅要具備精湛的聲樂技巧、優美的音色和寬廣的音域，還需要用肢體語言和表演技巧把歌劇中的戲劇人物的個性特征表現到近乎完美的程度。另外，演唱者還要注意自己情緒的把握，雖然良好的情緒或者比較良好的精神狀態能夠幫助自己達到良好的聲音狀態，但是一定做到表演幅度要張弛有度，要從作品和人物出發，要符合角色的性格特征，不能過于夸張和過于拘謹。

　　在注重“聲”與“情”相結合的同時，還要善于運用情感去解決技術上的難點。無論是男高音還是女高音，在演唱中聲區時，通過胸腔共鳴可以讓聲音飽滿而結實，高聲區通過頭腔共鳴可以使聲音圓潤、通暢并富有穿透力，可唱到低音區時，往往會因為漏氣而使聲音缺乏力度，音色也不夠明亮。這種現象給人的感覺就是聲音缺乏整體的統一性，并且低音區往往是一部聲樂作品用情至深之時，也是最能表達作者情感的音區，這時更需要結實飽滿的聲音去表達作品所要詮釋的思想感情，這種能清晰聽到低音或者微聲的效果，是展示歌手演唱技巧上全面性和扎實功底的關鍵所在。解決此問題最簡單有效的辦法是，對學生進行情感上的教學，當我們俯身我們心愛人的身邊說情話時，聲音雖然很小，但是很集中很清晰，又是那么深情那么甜美。用跟愛人或者親人低聲說話的感覺去演唱，往往能有更好的藝術效果，所以注重學生情感上的培養能更好的解決技術上的難點。

　　要做到“以情帶聲、聲情并茂”的演唱，還必須提高歌唱者的藝術修養。一位歌唱家，不僅善于充分運用聲樂技巧，還可以通過自身的藝術修養恰到好處的完成聲樂作品；如果歌唱者缺乏知識，對歌曲產生的背景，地域的風土人情，甚至歌詞含義都無法準確的理解，就不可能表達出作品的深刻含義和意境來，這樣的歌唱者只能稱作“歌唱匠”。